Back in Black no solo es el mejor de los seis álbumes estadounidenses de AC/DC, sino la cúspide del heavy metal: el primer LP desde Led Zeppelin II que captura toda la sangre, el sudor y la arrogancia del género. En otras palabras, Back in Black es brutal. Gran parte del mérito se debe a Brian Johnson, un vocalista salvaje que combina el machismo desmesurado de Robert Plant de Led Zeppelin, el aullido operístico de Ian Gillan (ex-Deep Purple) y la voz ronca y tuberculosa de Noddy Holder de Slade en gritos singulares, estremecedores y al estilo Tarzán. Es cierto que Johnson probablemente tenga que gritar así para hacerse oír por encima del ensordecedor estruendo instrumental de los guitarristas Angus y Malcolm Young, pero el cantante también tiene estilo. Para «You Shook Me All Night Long», suaviza algunos aspectos de su estilo, en una canción sorprendentemente comercial con un estribillo pegadizo y contagioso. Incluso muestra un toque de soul de Memphis en la sensual «Let Me Put My Love into You». Los Youngs son los responsables de la mayor parte del caos musical, creando un riff hercúleo tras otro sobre la sólida base rítmica formada por el bajista Cliff Williams y el baterista Phil Rudd. Mientras Malcolm Young sustenta canciones como “Hells Bells”, “What Do You Do for Money Honey” y “Shake a Leg” (que, por cierto, recuerda muchísimo a “Living Loving Maid” de Led Zeppelin) con su estilo de guitarra rítmica, tosco y casi percusivo, su hermano Angus recorre el mástil de su guitarra con furia, desplegando solos vertiginosos que son el equivalente en estudio de sus famosas rabietas juveniles en el escenario. Dado que en el mundo bélico de AC/DC a menudo menos es más, el único lujo que se permite el grupo es una producción impecable y enérgica a cargo de Robert John Lange. Desafortunadamente, mucha gente no reconoce el talento debido al ruido. Puede que AC/DC no sea del agrado de todos, pero tampoco son los tontos del pueblo del rock and roll. Simplemente han utilizado muchos de los elementos característicos del sonido de los primeros Rolling Stones —ganchos y riffs pegadizos, un coro griego de guitarras, un cantante que hace de todo menos cantar— y los han llevado a un nivel de poder descomunal. Más que cualquier otro disco reciente, Back in Black distingue a los verdaderos metaleros de los simples aficionados al metal. *Rolling Stone

Segundo álbum de estudio del cantautor británico Barns Courtney —nacido en Aylesbury pero criado en Seattle—, publicado en septiembre de 2019 por Virgin EMI/Universal, tras el impacto de su debut The Attractions of Youth (2017). El concepto que da nombre al disco es ingenioso: el "Error 404" —esa página que no existe o ya no se encuentra— como metáfora emocional del vacío, la pérdida y el duelo por la parte de uno mismo que desaparece al crecer. Escrito y producido junto a su amigo de toda la vida Sam Battle, es un disco que teje esa temática de emptiness ya desde el corte de apertura y primer single, "Hollow". Musicalmente marca un giro hacia el pop-rock respecto al aire más folk-blues del debut: es brillante, ruidoso y enérgico, con sintetizadores, ritmos machacones y esa producción sobresaturada sobre la que descuella su mayor arma, una voz rasgada, soul y de un carisma innegable —capaz, como dice bien un crítico, de sonar como si aullara al vacío pero haciéndote sentir menos solo—. Los puntos altos son claros: "You and I" y "99" (los singles que sostienen el disco), la enérgica "London Girls", "The Kids Are Alright" y "Fun Never Ends", donde por fin encuentra una identidad más propia.

Notes on a Conditional Form es considerado un disco masivo, fascinante y caótico que polarizó a la prensa musical. Fue el cierre de la era conceptual "Music for Cars", sirviendo como secuela directa del aclamado A Brief Inquiry Into Online Relationships. La crítica se rindió ante la asombrosa versatilidad de la banda. El álbum salta sin piedad entre el punk agresivo, el pop de los 80, la música folk, el ambient cinematográfico y el UK garage electrónico. El disco actúa como un espejo perfecto de la era del streaming y de nuestra propia mente sobreestimulada: dispersa, ruidosa pero profundamente honesta.

Uno de los giros más audaces en la carrera de la banda. Belle and Sebastian se hicieron célebres a finales de los noventa como los abanderados del twee-pop y el indie-folk introvertido, con esa delicadeza susurrada, esas melodías de cámara y esa timidez encantadora de discos como If You're Feeling Sinister (1996). Aquí, en cambio, con la producción de Ben Allen (Animal Collective, Deerhunter), la banda se lanza sin complejos al synth-pop, el disco y la electrónica de baile, un contraste deliberado entre su melancolía habitual y ritmos luminosos pensados para mover el cuerpo —de ahí el título—. El resultado es un disco largo, ecléctico y valiente: "The Party Line" es puro dance-pop de bajo pulsante irresistible; "Nobody's Empire" —una de las canciones más personales de Murdoch, sobre su lucha con el síndrome de fatiga crónica en su juventud— abre el álbum con emoción luminosa; "The Everlasting Muse" y "Perfect Couples" experimentan con groove y humor; y "Enter Sylvia Plath" es synth-pop ochentero desatado. Bajo la novedad rítmica, siguen intactas la agudeza lírica, la ironía tierna y la sensibilidad melódica de siempre.

El álbum debut del dúo francés de música electrónica Air, titulado Moon Safari (1998), es una obra maestra atemporal que redefinió el panorama de la música pop y el downtempo a finales de los años 90. Es un disco fundamental que envejeció de manera impecable y ayudó a popularizar globalmente el movimiento French Touch. Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel lograron fusionar de forma brillante la electrónica ambiental, el pop psicodélico de los 60, el space rock y sutiles toques de música cinematográfica. El uso de sintetizadores analógicos retro (como el Moog), el bajo melódico tan característico y el uso estelar del vocoder crean una atmósfera espacial, sensual y sumamente sofisticada. Contiene clásicos absolutos e imperecederos como "Sexy Boy", "Kelly Watch the Stars" y la hermosa balada "All I Need" (con la magnética voz de Beth Hirsch).

Una de las obras más desgarradoras y valientes de Björk. Versión alternativa de Vulnicura —el noveno álbum de estudio de la islandesa, publicado apenas meses antes—, editada en noviembre de 2015 por One Little Indian, en la que las canciones se reinterpretan únicamente con cuerdas acústicas, despojadas por completo de los beats electrónicos y las texturas de The Haxan Cloak y Arca que definían el original. El subtítulo lo dice todo: "Vulnicura tocado solo con instrumentos de cuerda acústicos, incluido el Viola Organista, un instrumento inventado por Leonardo da Vinci". Para entender su peso hay que recordar qué es Vulnicura: el disco-herida (del latín vulnus, herida) que Björk escribió tras su dolorosa ruptura con el artista Matthew Barney, una crónica emocional cronometrada del antes, el durante y el después del desamor, de una crudeza confesional casi insoportable. En esta versión de cuerdas, esa desnudez emocional se vuelve aún más íntima y cruda: sin la arquitectura electrónica, quedan solo la voz sobrecogedora de Björk y los arreglos de cuerda —suyos y del sexteto que la acompaña—, más el fascinante Viola Organista da vinciano, un instrumento de teclado que hace sonar cuerdas frotadas. El resultado es cámara contemporánea de una fragilidad y una belleza dolientes, especialmente en la monumental "Black Lake" o en "Stonemilker" y "Family".

Edición no oficial que recopila grabaciones tempranas de Bob Dylan en Nueva York, de sus primerísimos años (1961-1962), cuando el joven de Minnesota recién había desembarcado en la escena folk de Greenwich Village. Con ese nombre suelen circular compilaciones de material de aquellos meses fundacionales: demos, sesiones de estudio tempranas, grabaciones caseras (como las célebres "Minnesota Hotel Tapes" o las hechas en apartamentos de amigos) y actuaciones de club, todas del Dylan pre-fama, absorbiendo como esponja el folk, el country y el blues tradicional que devoraba. Lo que se oye es al aprendiz en estado puro: voz, guitarra y armónica, un chico de veinte años cargado de ambición y de una reverencia casi religiosa por Woody Guthrie, interpretando tradicionales, blues antiguos y algunas de sus primeras composiciones propias, con ese fraseo nasal y esa actitud que ya anunciaban al genio. Su valor es sobre todo histórico y documental: capta el momento exacto en que se forjaba una de las voces más importantes del siglo XX.

Edición que recopila las tomas descartadas y versiones alternativas de las sesiones de The Freewheelin' Bob Dylan (1963), su segundo álbum y el disco que lo consagró como cantautor y voz de una generación. Su interés es enorme para el aficionado, porque documenta uno de los procesos creativos más importantes de la música del siglo XX: Freewheelin' tuvo una gestación larga y accidentada, con canciones grabadas, descartadas, sustituidas y reordenadas a lo largo de más de un año (1962-1963), y de hecho existen copias rarísimas del disco con cuatro pistas distintas a la versión final. Estas outtakes recogen justamente ese material fascinante: versiones alternativas de clásicos y, sobre todo, canciones que quedaron fuera del corte definitivo, como "Let Me Die in My Footsteps", "Rambling, Gambling Willie", "Talkin' John Birch Paranoid Blues" (retirada por presiones de la CBS) o "Rocks and Gravel". Se oye al Dylan de veintiún años en estado puro —voz, guitarra y armónica—, ensayando, tanteando y afinando el material que incluiría himnos como "Blowin' in the Wind", "A Hard Rain's a-Gonna Fall" y "Masters of War".

1988 es el año de Tender Prey, uno de los discos más intensos y celebrados de la primera etapa de los Bad Seeds, el que abre con "The Mercy Seat" —esa obra maestra torrencial y obsesiva sobre un condenado a la silla eléctrica, quizá la mejor canción de todo su cancionero temprano y luego inmortalizada por Johnny Cash—. Así que este broadcast encuentra a la banda en un pico creativo feroz, con la formación clásica del período (Mick Harvey, Blixa Bargeld, Thomas Wydler —el mismo baterista cuyo disco en solitario reseñamos hace mucho—), desplegando en vivo esa mezcla de furia post-punk, blues gótico y teatralidad de predicador poseído. El repertorio de esa gira cruzaba lo nuevo de Tender Prey ("The Mercy Seat", "Deanna", "City of Refuge") con clásicos anteriores ("Tupelo", "From Her to Eternity", "Saint Huck"), y en directo esa descarga es electrizante.

Noveno álbum de estudio de la banda uruguaya No Te Va Gustar —una de las formaciones de rock más populares e importantes del Río de la Plata y de toda Latinoamérica—, publicado en 2021, y un disco marcado por la superación de un momento durísimo: la muerte del saxofonista y miembro histórico Marcel Curuchet en 2014 en un accidente, y el proceso de duelo y reconstrucción que la banda atravesó después. El propio título, Luz, anuncia el tono: es un disco sobre encontrar la salida, la esperanza tras la oscuridad, la resiliencia. Musicalmente NTVG despliega su sello inconfundible —esa mezcla de rock, ska, reggae, murga y candombe uruguayo, con letras de fuerte carga social y emocional y la voz apasionada de Emiliano Brancciari al frente—, aquí en un registro más maduro, cuidado y con producción de primer nivel (grabado en parte en Estados Unidos con el productor Héctor Castillo). El disco destaca por sus colaboraciones bien elegidas, que cruzan generaciones y fronteras del rock en español, y por canciones que alternan la energía festiva y bailable con momentos de honda introspección y compromiso. Los himnos de estadio conviven con baladas emotivas, en ese equilibrio que ha hecho a la banda llenar recintos enormes a ambos lados del charco.

Álbum del trío del pianista estadounidense Brad Mehldau —con Larry Grenadier al contrabajo y Jeff Ballard a la batería—, publicado en 2016 por Nonesuch, y una delicia para el amante del jazz de piano. Mehldau es, con toda justicia, uno de los pianistas de jazz más importantes e influyentes de las últimas décadas: heredero de la tradición de Bill Evans y Keith Jarrett, pero con una voz absolutamente propia, célebre por su intelecto armónico, su independencia de manos casi contrapuntística y su audaz costumbre de reinterpretar tanto standards como canciones pop y rock (Radiohead, Nick Drake, los Beatles). Como su título anuncia con honestidad, este disco es una colección reposada de blues y baladas, un trabajo de tono íntimo, cálido y nocturno que se concentra en la belleza melódica y el lirismo por encima del despliegue técnico. El trío —una de las unidades más compenetradas del jazz actual, con casi dos décadas de complicidad— despliega una sensibilidad exquisita en un repertorio que mezcla standards ("These Foolish Things", "My Valentine" de Paul McCartney, "I Concentrate on You" de Cole Porter) con lecturas de Buddy Holly ("Little Person") y Charlie Parker ("Cheryl"). Es música de una elegancia serena, de esas que revelan matices nuevos en cada escucha y que piden atención y silencio.

Álbum debut en solitario de Oliver Sim —el bajista, cantante y una de las voces fundacionales de The xx, la influyente banda británica de indie minimalista—, publicado en septiembre de 2022 por Young. Es un disco profundamente valiente y confesional, producido íntegramente por su compañero de The xx Jamie xx, cuya mano se nota en las texturas electrónicas cálidas y espaciosas que arropan las canciones. El corazón del álbum es una revelación de enorme carga personal: Sim aborda abiertamente su vida como hombre gay y, sobre todo, su experiencia viviendo con VIH desde los diecisiete años, un secreto que cargó durante casi toda su vida adulta y que aquí expone con una honestidad desnuda y liberadora. El título —"bastardo horrendo"— alude precisamente al miedo, la vergüenza y la percepción de uno mismo como algo monstruoso, y el disco es un ejercicio de exorcizar esos demonios a plena luz. Musicalmente cruza el pop oscuro y la electrónica íntima de su banda madre con guiños al cine de terror y al glam, y con la voz grave, aterciopelada y melancólica de Sim como gran protagonista. Los puntos altos —"Romance with a Memory", "Hideous" (con la voz invitada de Jimmy Somerville, ícono de la música pop gay), "Fruit", "GMT"— combinan vulnerabilidad y elegancia.

Segundo álbum de estudio de Olivia Rodrigo, publicado en septiembre de 2023 por Geffen, y la confirmación rotunda de que su fenómeno debut SOUR (2021) no fue casualidad, sino el arranque de una de las voces pop más importantes de su generación. Producido de nuevo junto a Dan Nigro, GUTS es un disco sobre las torpezas, contradicciones y humillaciones de la adolescencia tardía y la temprana adultez —los veinte que asoman, la presión, el desamor, la ansiedad, el síndrome de la impostora—, escrito con una lucidez, un humor y una honestidad desarmantes. Musicalmente amplía la paleta de SOUR: se apoya con más fuerza en el rock alternativo y el pop-punk de los noventa y dos miles (ecos de The Breeders, Elvis Costello, Weezer, Avril Lavigne) sin abandonar sus baladas de piano desgarradoras. Ese contraste es su gran acierto: la rabia y la ironía de los cortes rockeros junto a la vulnerabilidad de las lentas. Los singles son imbatibles: "vampire", esa balada que crece hasta el estallido; "bad idea right?" y "get him back!", puro nervio pop-punk juguetón; "good 4 u"... —perdón, esa es de SOUR—; aquí brillan "ballad of a homeschooled girl", "making the bed" y la tierna "teenage dream". La crítica lo aclamó casi unánimemente y ganó varios Grammy.

Duodécimo álbum de estudio en solitario de Ozzy Osbourne, publicado en febrero de 2020 por Epic, y su primer disco de material nuevo en una década —desde Scream (2010)—, hecho aún más notable por haberse gestado en plena batalla del músico contra graves problemas de salud, lo que le da un aire crepuscular y reflexivo sobre la mortalidad. El disco nació de una química feliz: producido por Andrew Watt (que también toca la guitarra), reúne una banda de lujo con Duff McKagan (Guns N' Roses) al bajo y Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) a la batería, más invitados de peso. El resultado es un Ozzy revitalizado, con canciones sólidas que cruzan su hard rock y heavy metal de siempre con momentos más melódicos e introspectivos. El tema titular, "Ordinary Man", es una balada conmovedora a dúo con Elton John —una reflexión sobre el legado y el miedo a ser olvidado que suena casi como un epitafio—; "Under the Graveyard", "Straight to Hell" (con Slash) y "All My Life" recuperan su músculo clásico; y la curiosa "Take What You Want" cuenta con Post Malone y Travis Scott, cruzando generaciones. La voz de Ozzy, curtida pero inconfundible, sostiene todo con esa vulnerabilidad tan suya.

Uno de los discos más crudos, feroces e intensos de toda la década de los noventa. Su gran seña de identidad es la producción de Steve Albini (Big Black, y futuro artífice del In Utero de Nirvana ese mismo año), célebre por su enfoque abrasivo y de dinámicas extremas: aquí lleva al límite el contraste entre susurros apenas audibles y estallidos ensordecedores, capturando el sonido áspero y directo del trío en vivo con una crudeza casi violenta. El resultado es un disco incómodo, sexual, rabioso y magnético, en el que Harvey despliega toda su fuerza como una de las voces más singulares y valientes del rock: canta sobre el deseo, el poder, los celos, la posesión y la vulnerabilidad femenina con una honestidad brutal y una teatralidad que van del gemido a la fiera. El tema titular, "Rid of Me", abre con esa tensión reptante que estalla en el "lick my legs" final; "50ft Queenie" es puro nervio fálico y desafiante; "Man-Size" retuerce los roles de género; y su relectura despiadada de "Highway 61 Revisited" de Dylan corona el conjunto. La guitarra rasposa, el bajo pesado y la batería seca crean una atmósfera de tensión permanente. Es un disco que no busca agradar sino golpear, y precisamente por eso resultó tan influyente en el rock alternativo y en generaciones de músicas posteriores. Una obra maestra feroz e imprescindible.

El disco que elevó a PJ de heroína del rock alternativo a artista de talla mayúscula y de reconocimiento internacional. Tras disolver su banda-trío y quedarse como artista en solitario, Harvey dio un giro audaz: abandonó en parte la crudeza abrasiva de Rid of Me para abrazar una teatralidad más elaborada, cinematográfica y pantanosa, construida sobre el blues gótico, el rock oscuro y una imaginería bíblica de deseo, pecado, agua, sangre y redención. El resultado es un disco denso, sensual y dramático, en el que Harvey encarna personajes —mujeres abandonadas, pecadoras, amantes vengativas— con una voz camaleónica que va del susurro seductor al alarido. Producido junto a Flood y Mick Harvey, tiene una paleta rica y siniestra de órganos, guitarras slide, teclados espectrales y atmósferas de ciénaga. Los puntos altos son sobrecogedores: el tema titular, "To Bring You My Love", que abre con una travesía de deseo casi religioso; "Down by the Water", su gran single, hipnótico y perturbador, sobre una madre que ahoga a su hija; "Long Snake Moan" y "Meet Ze Monsta", puro fango eléctrico; y "C'mon Billy" o "Send His Love to Me". Fue aclamado unánimemente, nominado al Mercury y al Grammy, y encabezó las listas de mejores discos del año. Es teatral, oscuro y magnético, una obra de una ambición y una fuerza expresiva descomunales.

Uno de los giros más audaces de una carrera hecha de reinvenciones. Tras años definida por la guitarra —fuera abrasiva o cinematográfica—, Harvey la abandonó casi por completo para componer al piano, un instrumento que apenas dominaba, y esa misma torpeza deliberada le dio al disco su fragilidad característica: acordes sencillos, tentativos, de una desnudez conmovedora. El resultado es su obra más fantasmal e íntima, un disco de cámara austero y victoriano, poblado de imaginería de duelo, pérdida, maternidad frustrada, fantasmas y paisajes de tiza (las colinas de su Dorset natal). Su cambio más impactante es vocal: Harvey abandona su registro grave y poderoso para cantar en un falsete agudo, frágil y sobrenatural, casi el de una niña o un espectro, que resulta perturbador y de una belleza escalofriante. Los puntos altos —"White Chalk", "When Under Ether" (sobre un aborto, real o imaginado), "The Devil", "Grow Grow Grow", "The Piano"— crean una atmósfera de casa encantada, de lamento antiguo. Es un disco breve, oscuro y de una intensidad emocional contenida pero devastadora.

Álbum que marcó una etapa clave de transición para la banda. Para entonces, Panic! era prácticamente el proyecto de Brendon Urie —solo él y Spencer Smith de la formación original—, y aquí Urie lleva su vocación pop hacia un sonido más electrónico, sintético y urbano, inspirado en buena parte por su fascinación con la ciudad de Las Vegas, su ciudad natal, cuyas luces, hedonismo y artificio impregnan todo el disco. El título, tomado de una frase de Hunter S. Thompson, resume ese espíritu de exceso glamoroso y decadencia nocturna. El resultado es un pop-rock brillante, bailable y de producción reluciente, con sintetizadores, beats programados y esa voz portentosa y teatral de Urie —uno de los grandes vocalistas del pop-rock de su generación— como gran protagonista. Los puntos altos son irresistibles: "This Is Gospel", una de sus canciones más queridas y emotivas, escrita durante la enfermedad de Smith; "Miss Jackson" (con Lolo), oscura y contagiosa; "Girls/Girls/Boys", un himno de fluidez y aceptación que se volvió emblema; y "Nicotine".

Obra maestra de la deconstrucción y la reinvención pop. Tras el éxito colosal y la refinada conceptualización flamenca de El Mal Querer (2018), Rosalía hizo lo más difícil e inesperado: dinamitar por completo las expectativas con un disco vanguardista, fragmentario y radicalmente experimental que la consagró como una de las artistas más audaces e influyentes de su generación a nivel mundial. Motomami es un torbellino de mestizaje: el reguetón, el flamenco, el bolero, la bachata, el jazz, el trap y la electrónica experimental colisionan en pistas cortas, mutantes y llenas de giros abruptos, glitches y silencios, todo cosido por una producción minimalista y audaz (con la colaboración de El Guincho, Pharrell y otros) y una voz prodigiosa que pasa del quiebro flamenco al susurro autotuneado. El disco oscila entre dos polos —el "motomami" empoderado, sexual y perreador ("Saoko", "Chicken Teriyaki", "Bizcochito") y la ternura vulnerable e íntima ("Hentai", "Como un G", la desnuda "Sakura")—, con "La Fama" (bachata con The Weeknd) y "Delirio de Grandeza" como cimas. Es un disco sobre la fama, la identidad, la familia y la transformación, tan cerebral como visceral. Ganó el Grammy Latino al Álbum del Año y encabezó las listas de lo mejor de la década en curso para innumerables medios. Es valiente, imprevisible, riquísimo en detalle y absolutamente único. Una obra maestra que redefinió el pop en español.

Sexto álbum de estudio de Annie Clark, publicado el 14 de mayo de 2021 por Loma Vista, y uno de los giros estéticos más marcados de su carrera. Tras la electrónica afilada y neón de Masseduction (2017), Clark se sumerge aquí en el Nueva York de comienzos de los setenta: el sonido cálido y granulado del soul, el funk, el sophisti-pop y el rock de sesión de esa época —guitarras wah-wah, Rhodes, sitar eléctrico, coristas, saxo— producido junto a su colaborador habitual Jack Antonoff. El título tiene una carga biográfica ineludible: nace del regreso de su padre tras cumplir una condena en prisión, y el disco explora la paternidad, la herencia, la caída y la redención con una mezcla de ironía y ternura, encarnando Clark a una serie de personajes de esa Nueva York decadente y glamorosa. Los puntos altos son notables: "Pay Your Way in Pain" abre con un funk nervioso y teatral, "Down and Out Downtown" y "The Melting of the Sun" (homenaje a las mujeres que la precedieron, de Nina Simone a Joni Mitchell) destilan groove retro, y "…At the Holiday Party" o "Somebody Like Me" muestran su faceta más vulnerable. La crítica lo recibió bien, admirando su ambición y su artesanía. Un disco valiente, sensual y ricamente producido —un festín para escuchar en vinilo por su calidez analógica.

Sexto álbum de estudio de la banda de San Diego y su primer disco homónimo, publicado el 25 de mayo de 2010 por Atlantic. Su importancia va más allá de la música: marcó el regreso de la formación original completa —Scott Weiland más los hermanos DeLeo (Robert al bajo, Dean a la guitarra) y Eric Kretz a la batería— tras años de hiatus y del paréntesis de Weiland en Velvet Revolver, y fue, tristemente, el último disco con la alineación clásica, ya que Weiland sería despedido en 2013 y fallecería en 2015. Eso le da un peso emocional retrospectivo considerable. Musicalmente es una decisión deliberada: en lugar del grunge denso de Core, la banda abraza aquí su faceta más pop, luminosa y melódica —canciones cortas, pegadizas, con un ADN que bebe de los Beatles, T. Rex y el power pop tanto como del rock de los noventa—, con la producción cristalina de los propios DeLeo. "Between the Lines" es el single perfecto, un caramelo de tres minutos; "Take a Load Off", "Cinnamon" y "Hickory Dichotomy" mantienen ese aire soleado y desenfadado; y "Dare If You Dare" aporta contraste. El oficio de los DeLeo como compositores y arreglistas es evidente, y la química de la banda suena intacta. Como bien señalan los coleccionistas, en vinilo gana bastante: separación instrumental más abierta y graves más definidos que en CD. Un regreso sólido, cálido y muy disfrutable.

Álbum de New Order publicado en enero de 2013 por Rhino/Warner, aunque en realidad es una colección de canciones que quedaron fuera de Waiting for the Sirens' Call (2005) —de ahí el título, "sirenas perdidas"—. Son ocho temas grabados en aquellas mismas sesiones de mediados de los 2000 pero descartados del disco original, rescatados y pulidos años después, lo que le da un carácter mixto entre disco de descartes y epílogo de una era. Su peso histórico es notable: es el último trabajo con el bajista fundador Peter Hook, cuyo bajo melódico e inconfundible —quizá el más influyente del post-punk y la new wave— define el sonido de la banda de Manchester, así que funciona como despedida involuntaria de esa formación clásica. Y contra lo que suele ocurrir con las colecciones de sobras, el material es sorprendentemente bueno: New Order en su terreno de siempre, esa fusión perfecta de rock de guitarras y electrónica de baile, con la voz melancólica de Bernard Sumner, sintetizadores luminosos y ese equilibrio entre euforia y tristeza que los hizo únicos. Los puntos altos —"I'll Stay with You", "Hellbent", "Californian Grass", "Sugarcane"— suenan a New Order pleno, con estribillos cálidos y esa energía nostálgica marca de la casa.

Recopilatorio de caras B y rarezas de Gorillaz —la banda virtual creada por Damon Albarn (Blur) y el dibujante Jamie Hewlett—, publicado originalmente en Japón en 2001 y con edición ampliada internacional en 2002. Recoge el material que quedó fuera de su debut homónimo Gorillaz (2001) y de sus singles: caras B, remixes y algún corte inédito de aquella primera etapa fundacional en la que el proyecto —con sus cuatro personajes animados (2-D, Murdoc, Noodle y Russel)— revolucionó el concepto de banda y fusionó pop, hip hop, dub, trip hop y rock alternativo con una frescura desarmante. Su interés es doble: por un lado documenta el laboratorio creativo detrás de aquel debut, mostrando ideas y experimentos que no cupieron en el álbum; por otro, contiene auténticas joyas que no desmerecen frente a los cortes oficiales. Los puntos altos incluyen "Rock the House" (single propio con su groove hip hop y sus vientos), "12D3" (cara B de "Clint Eastwood"), "Faust", la instrumental "Left Hand Suzuki Method" y varios remixes interesantes de "19-2000" y "Clint Eastwood". Es un vistazo fascinante a la etapa más lo-fi y juguetona del proyecto, antes de la ambición mayúscula de Demon Days (2005).

Banda sonora de la tercera y última entrega de la saga Guardians of the Galaxy de James Gunn, publicada en mayo de 2023 por Hollywood Records/Marvel. La premisa de estas películas siempre fue, en el fondo, musical: Peter Quill (Star-Lord) atraviesa la galaxia con su walkman y sus "Awesome Mix", las cintas que le dejó su madre, y la música de época se convierte en el corazón emocional de toda la saga. Este tercer volumen amplía la fórmula más allá de los clásicos de los setenta que definían las dos primeras, abriendo el abanico temporal y estilístico para reflejar la evolución de los personajes y el tono más maduro y melancólico de esta despedida. La selección es deliciosa y ecléctica: desde Radiohead ("Creep", en un uso emocionalmente devastador ligado a la historia de Rocket) hasta Rainbow ("Since You Been Gone"), Faith No More ("We Care a Lot"), Beastie Boys ("No Sleep Till Brooklyn"), Spacehog ("In the Meantime"), The Flaming Lips, Florence + The Machine, EHAMIC y hasta un cierre con "Dog Days Are Over". Es un tránsito por rock, pop, grunge y alternativo de varias décadas, curado con el mismo instinto emocional que hizo célebres a las anteriores.