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Disco de Neil Young con Crazy Horse, uno de los más crudos, repetitivos y deliberadamente ásperos de su catálogo de esos años. Es rock garage denso y machacón, con la guitarra distorsionada y el groove hipnótico marca de la banda, en un tono más minimalista y percusivo que melódico —composiciones que se apoyan en riffs repetidos hasta el trance, con letras a menudo escuetas y directas—. Se sabe hoy que fue grabado en un período personal difícil, con Young buscando terapias para su hijo, lo que puede explicar en parte esa aridez emocional del disco. Cimas: "Opera Star", "Shots", "T-Bone" (con su repetición casi absurda del verso "got mashed potatoes, ain't got no T-bone").

Reedición de 2018 del que muchos consideran el disco más ambicioso de Marillion: Brave (1994), el tercero de la era Steve Hogarth y un álbum conceptual mayúsculo, inspirado en una noticia real —una joven encontrada por la policía en el puente de Severn, sin memoria ni identidad—, del que la banda construyó una narrativa desoladora sobre angustia adolescente, explotación emocional, traición familiar y el impulso de arrojarse al vacío. Grabado en un château francés durante meses, con la producción inmersiva y cinematográfica de Dave Meegan, es su obra más densa y menos concesiva: 71 minutos de suites encadenadas donde la guitarra de Steve Rothery alcanza algunos de sus solos más hermosos ("The Great Escape", "Made Again") y Hogarth entrega la interpretación vocal de su vida. Lo interesante de esta versión es el trabajo de Steven Wilson —que ya había remezclado Misplaced Childhood el año anterior—: aborda el disco con mano ligera, tomando la mezcla original de Meegan como guía en lugar de desmontarla, y consigue sacar a flote la rabia que hervía bajo la superficie del relato, con una definición instrumental y una dinámica notablemente superiores. Existe en CD simple, doble vinilo, caja de 4 CD + Blu-ray (con la mezcla 5.1, el mix original de 1994, el concierto de La Cigale de París remezclado por Michael Hunter y un documental) y edición de 4 LP.

1988 es el año de Tender Prey, uno de los discos más intensos y celebrados de la primera etapa de los Bad Seeds, el que abre con "The Mercy Seat" —esa obra maestra torrencial y obsesiva sobre un condenado a la silla eléctrica, quizá la mejor canción de todo su cancionero temprano y luego inmortalizada por Johnny Cash—. Así que este broadcast encuentra a la banda en un pico creativo feroz, con la formación clásica del período (Mick Harvey, Blixa Bargeld, Thomas Wydler —el mismo baterista cuyo disco en solitario reseñamos hace mucho—), desplegando en vivo esa mezcla de furia post-punk, blues gótico y teatralidad de predicador poseído. El repertorio de esa gira cruzaba lo nuevo de Tender Prey ("The Mercy Seat", "Deanna", "City of Refuge") con clásicos anteriores ("Tupelo", "From Her to Eternity", "Saint Huck"), y en directo esa descarga es electrizante.

Tras el aclamado Heaven Up Here, la banda de Ian McCulloch entregó un álbum tenso y dramático, de post-punk envolvente teñido de una grandiosidad casi orquestal —con arreglos de cuerda de aire oriental cortesía del violinista Shankar—. Es un disco de atmósferas cavernosas y emoción intensa, con la voz teatral y anhelante de McCulloch, la guitarra afilada de Will Sergeant y esa base rítmica poderosa. Cimas: "The Cutter" (su gran éxito, con ese riff de cuerdas hipnótico), "The Back of Love", "Porcupine", "Ripeness". Aunque en su lanzamiento generó desconcierto por su sonido menos accesible en comparación con lo que vendría en Ocean Rain, el disco envejeció de manera formidable: es la cumbre de su vertiente más sombría y experimental.

Segundo álbum de estudio de Olivia Rodrigo, publicado en septiembre de 2023 por Geffen, y la confirmación rotunda de que su fenómeno debut SOUR (2021) no fue casualidad, sino el arranque de una de las voces pop más importantes de su generación. Producido de nuevo junto a Dan Nigro, GUTS es un disco sobre las torpezas, contradicciones y humillaciones de la adolescencia tardía y la temprana adultez —los veinte que asoman, la presión, el desamor, la ansiedad, el síndrome de la impostora—, escrito con una lucidez, un humor y una honestidad desarmantes. Musicalmente amplía la paleta de SOUR: se apoya con más fuerza en el rock alternativo y el pop-punk de los noventa y dos miles (ecos de The Breeders, Elvis Costello, Weezer, Avril Lavigne) sin abandonar sus baladas de piano desgarradoras. Ese contraste es su gran acierto: la rabia y la ironía de los cortes rockeros junto a la vulnerabilidad de las lentas. Los singles son imbatibles: "vampire", esa balada que crece hasta el estallido; "bad idea right?" y "get him back!", puro nervio pop-punk juguetón; "good 4 u"... —perdón, esa es de SOUR—; aquí brillan "ballad of a homeschooled girl", "making the bed" y la tierna "teenage dream". La crítica lo aclamó casi unánimemente y ganó varios Grammy.

7 álbumes completos de Lady Day, presentados con sus secuencias originales, imprescindibles para entender su obra por etapas. La música es inmensa: Billie Holiday fue una de las voces más importantes e influyentes de la historia del jazz, capaz de convertir cada canción en confesión vivida, con ese fraseo detrás del tiempo, ese swing lánguido y esa carga emocional inimitables. Según la selección del volumen, reunirá discos de su etapa más madura para Verve/Clef y aledaños, con esa voz curtida y doliente de los años cincuenta al frente.

Strangeways, Here We Come se erige como el inesperado canto del cisne de The Smiths. Irónicamente, también es uno de sus mejores y más variados discos. *Rolling Stone

Punto de partida de una de las trayectorias más fascinantes del pop. Aquí la banda todavía está encasillada en el synth-pop de comienzos de los ochenta, a menudo comparada con Duran Duran, con quienes compartían sello y productor. Es un disco de new wave elegante y melancólico, más oscuro y contenido que el de sus contemporáneos, con la voz angustiada de Mark Hollis ya insinuando la intensidad que desarrollaría después. Cimas: "Talk Talk" (su primer éxito, regrabado del período), "Today", "It's So Serious" y el tema titular.

Octavo disco del proyecto de Damon Albarn y Jamie Hewlett, y uno de sus trabajos más pulidos, cohesivos y pop de los últimos años. Producido con Greg Kurstin, tiene un sonido brillante y funky, con sintetizadores luminosos y un concepto vago en torno a un culto ficticio en Los Ángeles. Como siempre, la fuerza está en las colaboraciones bien integradas: Thundercat en el groovy tema titular, Tame Impala y Bootie Brown en "New Gold", Stevie Nicks en la preciosa "Oil", Beck en "Possession Island", Bad Bunny en "Tormenta". Es un disco compacto (diez cortes) y de gancho inmediato.

El misticismo sonoro del compositor estonio encuentra en esta antología un refugio impecable para apreciar la pureza radical de su técnica tintinnabuli. Interpretadas por ensambles vocales e instrumentales de referencia (con el Coro de Cámara Filarmónico de Estonia y la batuta de Tõnu Kaljuste a la cabeza), piezas emblemáticas como Spiegel im Spiegel, Da pacem Domine y Für Alina se despliegan en el surco de vinilo con una reverberación sacra y un silencio casi táctil. Lejos de cualquier esteticismo new age, la economía de notas de Pärt opera aquí como una meditación sobre el espacio, el tiempo y la fragilidad humana. Un prensaje indispensable para quienes buscan en la música contemporánea un paisaje inmersivo de alta fidelidad y conmoción espiritual.

Una hermosura, y probablemente el disco más íntimo y logrado del compositor argentino. Publicado en 2021 por Mercury KX —el sello "blue-chip" de la composición moderna, casa también de Ólafur Arnalds—, es su cuarto álbum para la etiqueta (sexto en total) y llega tras el aclamado Verve (2019), que fue nominado al Grammy. Plano, cellista, compositor y productor nacido en Rosario en 1985 e hijo de dos músicos de la orquesta sinfónica de la ciudad, grabó este disco de noche y en soledad en su estudio de Berlín, entre finales de 2019 y mediados de 2020, mediante un método fascinante: es "música de ensamble hecha por una sola persona", donde toca y graba cada línea instrumental y las va superponiendo hasta convertirse él mismo en cuarteto de cuerdas y en orquesta. El detalle clave y conmovedor: pese a que a veces procesa el sonido electrónicamente, no hay un solo instrumento electrónico; todo nace del chelo, el piano y su voz —usada solo cuando cuerda y teclas no llegan más lejos—, e incluso incorpora el golpe sobre el cuerpo del chelo, sus pies pisando el suelo o el crujido de su silla de estudio como parte del tejido sonoro. El resultado es neoclásico de una belleza tierna y ecstática, que sangra hacia el post-rock y una electrónica elocuente, con la suite "Soul" en tres partes (contemplativa, exuberante, juguetona) como corazón conceptual —una meditación sobre las almas, Carl Sagan y el refugio interior de la creación—. "Agos", "A Present for a Young Traveller" y el tema titular son puertas a ese "espacio seguro" sonoro del que habla la crítica. Delicado, valiente y perfecto para vinilo en sesión atenta.

In Rock corresponde a uno de los cimientos sobre los que se construyó el heavy metal. Cuarto álbum de estudio de Deep Purple, publicado el 5 de junio de 1970 (Harvest/Warner) y, sobre todo, el debut en estudio de la formación Mark II —la clásica: Ian Gillan a la voz, Roger Glover al bajo, junto a los fundadores Ritchie Blackmore, Jon Lord e Ian Paice—, la alineación más exitosa y explosiva de la banda. Tras el experimento sinfónico del Concerto for Group and Orchestra, el grupo tomó la decisión deliberada de hacer un disco fuerte, ruidoso y visceral que capturara la potencia de su directo, y vaya si lo consiguió: producido por la propia banda y grabado entre giras por necesidad económica, es un torrente de energía descarnada donde todos los temas llevan por primera vez la firma colectiva de los cinco. La apertura, "Speed King", es proto-speed metal puro; "Child in Time" es la cumbre, diez minutos de escalada dramática entre el órgano Hammond de Lord, la guitarra de Blackmore y un falsete sobrehumano de Gillan inspirado por la tensión de la Guerra Fría; y el cierre, "Hard Lovin' Man", con su riff agresivo y su órgano distorsionado, se cita como una de las semillas del metal. La icónica portada —el Monte Rushmore con los rostros de los cinco músicos suplantando a los presidentes— resume su ambición desafiante. Fue su gran éxito europeo (#4 en el Reino Unido, quince meses de gira) y figura en toda historia del rock duro que se precie. No hay relleno, no hay concesiones: un disco fundacional.

EP feroz de la banda de Bob Mould (ex-Hüsker Dü), grabado en las mismas sesiones de Copper Blue pero mucho más oscuro, pesado y abrasivo. Seis cortes de muros de guitarra distorsionada, intensidad casi religiosa e imaginería espiritual y de crucifixión que atraviesa todo. "Come Around" abre engañosamente sereno antes de la descarga; "Tilted", "Judas Cradle" y "JC Auto" son puro estruendo catártico, con Mould aullando sobre paredes de ruido melódico. Es abrumador, físico y purgante —el reverso sombrío del pop luminoso de Copper Blue—.

Despojar al debut seminal de Christopher Wallace de su prodigioso lirismo vocal podría parecer una temeridad, pero esta entrega instrumental reivindica la catedral sonora edificada por Easy Mo Bee, Chucky Thompson, Poke y DJ Premier. Libres del magnetismo arrollador de Biggie, los surcos revelan la maestría artesanal del hip hop neoyorquino de mediados de los noventa: cortes milimétricos de soul setentero, líneas de bajo suntuosas y cajas percusivas empapadas en el crujido del vinilo original ("Juicy", "Big Poppa", "Unbelievable"). Es a la vez una clase magistral de sampling analógico y una herramienta de culto indispensable para coleccionistas, beatmakers y DJs que entienden el hip hop como una disciplina arquitectónica.

Hard bop elegante y accesible, con un quinteto de lujo —Freddie Hubbard a la trompeta, Dexter Gordon al saxo tenor— y el piano de Hancock brillando con esa mezcla de sofisticación armónica y swing terrenal que lo definiría. La joya es "Watermelon Man", ese tema de groove funky y raíz gospel-blues que se volvió un éxito rotundo (popularizado por Mongo Santamaría) y un clásico instantáneo del soul-jazz. El resto —"Three Bags Full", "Empty Pockets", "Driftin'"— confirma a un compositor e intérprete ya maduro.

Consagrados como uno de los bastiones más intransigentes del metal extremo sudamericano, los ariqueños alcanzaron en su tercer asalto discográfico una madurez sónica demoledora. Apátrida es thrash metal de la vieja escuela ejecutado con precisión quirúrgica contemporánea: riffs corrosivos que beben por igual de la escuela teutona de Kreator y del groove cortante de Sepultura, sostenidos por una sección rítmica que no concede un segundo de tregua ("Apatrida", "My Own Anarchy", "The Pain You Asked For"). La garganta desgarrada de Matías Leonicio escupe crónicas de descomposición social y rabia política sin rodeos ni metáforas complacientes. En vinilo, la pegada de bombos y la densidad de las guitarras ganan un peso físico abrumador. Un testimonio fundamental de la potencia y vigencia del metal pesado chileno.

El debut fundacional de Eunice Waymon para el sello Bethlehem no es solo una obra cumbre del vocal jazz; es el manifiesto donde convergen su formación como pianista clásica frustrada por el racismo imperante y una conmovedora sensibilidad soul y blues que redefinió el estándar estadounidense. Simone no interpreta canciones: las deconstruye y las habita con una gravedad escénica sin parangón, fundiendo contrapuntos bachianos con síncopas de taberna nocturna en "Love Me or Leave Me", o suspendiendo el aliento en baladas de herida abierta como "Plain Gold Ring" y la pieza titular. Un prensaje audiófilo de riqueza dinámica excepcional, donde el aire entre los martillos del piano y el timbre de barítono de su voz exige girar en la tornamesa con escucha devota. Una obra maestra incontestable.

Bajo la producción del español Tito Dávila (ex Los Enanitos Verdes), Denisse Laval dio el salto cuántico definitivo desde la condición de estrella infantil de televisión hacia la madurez de una autora pop referencial para toda una generación en Chile. Apoyada en composiciones mayúsculas de Antonio Vega y adaptaciones certeras de The Cardigans ("Esperando nada") o The Pretenders ("Dame luz"), la entrega se sostiene como un compendio brillante de pop de guitarras acústicas, teclados luminosos y melodías con gancho imperecedero ("Sin gamulán", "Extraño ser"). La calidez de los arreglos orgánicos y el grano juvenil de su voz cobran un relieve especial en el prensaje en vinilo. Un disco emblemático de los noventa locales y un clásico transversal con rotación asegurada en vitrina.

Despojarse del alias que lo convirtió en fenómeno del soul downtempo fue para Nick Murphy una declaración de principios: escapar del loop digital para salir a grabar por el mundo con Dave Harrington (DARKSIDE) como coproductor. Registrado de forma nómada durante cuatro años, este trabajo expande el marco de su R&B melancólico hacia una instrumentación orgánica y expansiva, donde conviven arreglos orquestales, percusiones vivas, sintetizadores analógicos y una tensión narrativa mucho más cruda y reflexiva ("Sanity", "Novocaine and Chocolate", "Dangerous"). La voz rota de Murphy gana espacio y dinamismo frente a sus grabaciones anteriores, entregando un álbum denso, texturado y nocturno que brilla de forma rotunda en la reproducción analógica. Una pieza clave de pop de autor contemporáneo para audiófilos.

Antes de que Slanted and Enchanted redefiniera las coordenadas del rock alternativo, Stephen Malkmus y Scott Kannberg ya habían sembrado el germen de su revolución desaliñada en una trilogía mítica de EPs de vinilo de siete pulgadas: Slay Tracks (1933–1969), Demolition Plot J-7 y Perfect Sound Forever. Este compilado arqueológico reúne aquel material iniciático en todo su esplendor lo-fi: grabaciones baratas de casete, guitarras cargadas de estática abrasiva, afinaciones imposibles y los ritmos impredecibles y desacompasados de Gary Young. Detrás del muro de ruido y la ironía hermética ya asomaban melodías mayúsculas como "Box Elder", "She Believes" o "Debris Slide". Un documento crudo y fascinante del nacimiento del sonido slacker, imprescindible para devotos que quieran rastrear la génesis del indie noventero en su estado más salvaje.

Incluido en la lista de los mejores discos de 2015 (Uncut), corresponde a la banda sonora original de la película francesa de David Oelhoffen —triple premiada en el Festival de Venecia—, adaptación del relato "El huésped" de Albert Camus, con Viggo Mortensen y Reda Kateb como dos hombres obligados a atravesar juntos la Argelia rural durante la guerra de independencia. Publicada en 2015 por Goliath/Kobalt, se suma a una década larga de colaboraciones fílmicas del dúo australiano, iniciada con The Proposition (2005, con guion del propio Cave) y continuada en The Road (2009) o West of Memphis (2012); una y otra vez han vuelto a proyectos que respiran aislamiento y paisaje. Aquí el método es reconocible pero especialmente depurado: loops de violín hipnóticos de Ellis, melodías entrelazadas de piano y cuerda, drones suaves y electrónica sutil que van creciendo con paciencia, con Gerard McCann al chelo y Jim White a la batería, y dos apariciones vocales del cretense Psarantonis que aportan un aire de canto ancestral en "Far From Men" y "The March". El resultado es minimalista y magnético: catorce piezas breves que evocan pueblos fronterizos fantasmales y vastedades desérticas, y que funcionan como un tratado sobre existencialismo y paisaje inclemente. Cave lo describió bien: al juntar dos cosas creadas por separado, música e imagen, ocurre algo mágico.

El trío británico de Peterborough factura en su debut de larga duración una de las muestras más depuradas, introspectivas y atmosféricas del post-rock y post-metal instrumental europeo de la última década. Apoyados en una dinámica impecable de tensión y liberación —heredera tanto de los pasajes etéreos y flotantes de Mogwai como del peso textural y monolítico de Pelican o Isis—, cortes extensos como "Arteries", "Churning of the Sea of Milk" o "Days Since I Disappeared" fluyen con paciencia arquitectónica, sin recurrir al efectismo predecible del crescendo fácil. El tratamiento del espacio, la riqueza armónica de las capas de retardo y la contundencia seca de la sección rítmica encuentran en la reproducción analógica un rango dinámico soberbio. Una pieza refinada de orfebrería sonora, idónea para oídos audiófilos que buscan inmersión instrumental profunda.

Piedra angular de la música electrónica. Grabaciones caseras hechas a lo largo de años de adolescencia, con una madurez asombrosa: techno e IDM de texturas cálidas y analógicas, beats hipnóticos y melodías sintéticas de una emotividad melancólica poco común en la electrónica de baile —puente entre la pista y la escucha profunda—. Cimas: "Xtal", "Tha", "Ageispolis", "Pulsewidth", "Heliosphere". Influencia incalculable sobre el IDM, el techno y décadas de electrónica. Cálido, atmosférico y atemporal.

Su trabajo más matizado, oscuro e introspectivo hasta la fecha. Tras la furia comunitaria y el mensaje de resiliencia colectiva de sus tres primeros discos —que los convirtieron en una de las bandas más incendiarias y celebradas del post-punk moderno—, IDLES vira aquí hacia dentro: Crawler es un disco profundamente personal, atravesado por los recuerdos de Talbot de su etapa de adicción, accidentes y recuperación (el título alude a arrastrarse, y el arte de portada muestra un coche accidentado). Musicalmente amplía notablemente su paleta: junto a los estallidos de rabia post-punk marca de la casa, aparecen texturas más atmosféricas, industriales, electrónicas e incluso momentos de calma inquietante y belleza sombría, gracias en parte a la producción de Kenny Beats. Es un disco de dinámicas extremas, que va del susurro al alarido. Los puntos altos son notables: "The Beachland Ballroom" —su desvío más soul y melódico, sorprendente y magnífico—, "Car Crash" (un descenso industrial y aterrador al accidente), "The New Sensation", "When the Lights Come On" y "Stockholm Syndrome". La crítica lo recibió como su trabajo más maduro y ambicioso, prueba de que la banda podía crecer sin perder su fuerza.